Tess (1979)

Director: Roman Polanski

Reino Unido/Francia, 1979, 164 minutos

Tess (1979) de Roman Polanski

Una de las ramificaciones más reconocibles, sin ser la principal, en la filmografía de Polanski es la que engloba los títulos de clara raigambre historicista y literaria. Se trata de una faceta que el director polaco inauguró con su particular versión de Macbeth (1971) y a la cual pertenece también Tess (1979). Otros ejemplos posteriores serían Oliver Twist (2005) o incluso J'accuse (2019).

El caso que nos ocupa surge de la adaptación de la novela Tess la de los d'Urbervilles, publicada originariamente en 1891 por el inglés Thomas Hardy (1840-1928). Para encabezar el reparto, Polanski eligió como protagonista a una jovencísima Nastassja Kinski, de apenas diecisiete años, con la que se rumorea que podía estar unido sentimentalmente. Circunstancia, esta última, fruto de la mala reputación que por aquel entonces ya perseguía al cineasta y que le obligó a rodar su película en Francia, pese a estar ambientada en el condado de Dorset, para así evitar que lo extraditasen a EE.UU.

Respecto a por qué Polanski eligió llevar a la pantalla una obra a priori tan alejada de lo que hasta la fecha había sido la tónica general a lo largo de su carrera existe también una razón de peso, relacionada con la dedicatoria ("to Sharon") que cierra los títulos de crédito iniciales. Y es que la que fuera su esposa, asesinada una década antes a manos de una secta satánica, tenía el texto de Hardy entre sus lecturas predilectas.

Una puesta en escena sosegada, elegantemente adornada con la majestuosa banda sonora de Philippe Sarde y en la que, además del vestuario diseñado por Anthony Powell, destacan la dirección de arte de Pierre Guffroy y Jack Stephens, así como la fotografía de Ghislain Cloquet y Geoffrey Unsworth (este último fallecido durante el rodaje y reemplazado por el primero). Tres fueron, de hecho, los premios Oscar que obtuvo la cinta en esas mismas categorías. No obstante, si por algo destaca la película no sería tanto por su espléndido palmarés, sino por la delicadeza con la que se expone la historia de una joven humilde e inocente que acabará siendo víctima de la ambición desmesurada de sus padres, ávidos de emparentar con la nobleza local, así como de la hipocresía imperante entre la aristocracia victoriana.

Buenos principios (2019)

Título original: Mon chien Stupide

Director: Yvan Attal

Francia/Bélgica, 2019, 106 minutos

Buenos principios (2019) de Yvan Attal

Veinticinco años de sequía resultan demasiados para un escritor que, en su momento, alcanzó la gloria literaria con un solo libro, pero que, después de tanto tiempo e infructuosos intentos, no ha logrado, ni siquiera por casualidad, igualar aquel éxito de ventas. Obsesionado con la ciudad de Roma, aunque viva a orillas del Atlántico, padre de cuatro hijos adolescentes con los que no termina de conectar y casado con una mujer de la que cada día parece distanciarse más y más, Henri Mohen (Yvan Attal) reúne todas las condiciones para ser un fracasado. De hecho, él está convencido de que su entorno familiar tiene la culpa de su falta de inspiración.

Sin embargo, en el transcurso de una noche de tormenta un ejemplar de mastín napolitano, descomunal y desmañado, irrumpe misteriosamente en el jardín de los Mohen para, a continuación, colarse en casa, de donde ya no habrá forma de sacarlo. Identificándose con el pobre chucho —feo, sucio y maloliente— al que nadie quiere, Henri lo bautizará con el poco agraciado nombre de Estúpido.

Tenía que haber sido Claude Berri (1934–2009) quien hubiese dirigido esta adaptación de una novela de John Fante y es por eso que Mon chien Stupide (que aquí se ha titulado Buenos principios) está dedicada a su memoria. Finalmente, el proyecto acabó en manos del actor, director y productor Yvan Attal, responsable, hace un par de años, de Una razón brillante (2017). No obstante, el enfoque de la cinta que nos ocupa adquiere una dimensión muchísimo más personal que la anterior, toda vez que Attal ha contado con la presencia en el reparto, por enésima vez, de la que es su pareja en la vida real, la actriz Charlotte Gainsbourg, además de con uno de sus hijos: Ben Attal.

La angustia, rayana en depresión, que genera una crisis creativa o las servidumbres a las que está expuesta y aun sujeta la carrera de todo novelista (ya sea en forma de agentes literarios, editores o cualquier otro tipo de intermediario entre el autor y su público) aparecen perfectamente retratados en una película cuyo principal desacierto sea, tal vez, el abuso de la voz en off del protagonista a la hora de presentar y analizar los hechos que se cuentan.

La infancia desnuda (1968)

Título original: L'enfance nue

Director: Maurice Pialat

Francia, 1968, 83 minutos

La infancia desnuda (1968) de Maurice Pialat

Que una película se abra con los nombres de Truffaut y Berri en pantalla es una promesa segura de cine en estado puro, aunque ambos ejerzan únicamente como productores. L'enfance nue, debut de Pialat en el largometraje, abundaba en la visión tierna y a la vez despiadada de la infancia que una década antes había ya marcado Les 400 coups.

Hay, quizá por ello, mucho de Truffaut en el niño François (Michel Terrazon), de contino implicado en mil y una trastadas, manifestación externa de lo que hoy sería diagnosticado como hiperactividad y que a finales de los sesenta todavía se intentaba corregir mediante reformatorios y familias de acogida.

Pero la ternura anida, sin embargo, en el corazón de François y por ello se acaba produciendo el milagro cuando la ocasión es propicia: con sus amantísimos abuelos adoptivos el chico tendrá ocasión de mostrar su lado más afectuoso, si bien ello no será suficiente para detener sus sucesivos impulsos disruptivos.

Rodada con actores no profesionales en un ambiente muy cercano en espíritu al del cinéma vérité, La infancia desnuda es uno de esos filmes capaces de ganarse la simpatía del espectador desde el minuto uno: ¿cómo no identificarse con François si, como diría Juan Marsé, "nuestra verdadera patria es la niñez"? Así pues, de las travesuras del protagonista, por más graves que sean sus consecuencias, se desprende un incontestable deseo libertario al que secretamente tienden todas las almas sensibles.

Una semana en Córcega (2015)

Título original: Un moment d'égarement

Director: Jean-François Richet

Francia, 2015, 105 minutos

Una semana en Córcega (2015)

La dedicatoria a Claude Berri al inicio de Una semana en Córcega no es en absoluto casual: se trata de un remake de Un moment d'égarement, la cinta que el propio Berri dirigiera allá por 1977. En aquel entonces la pareja de cuarentones fue interpretada por Jean-Pierre Marielle y Victor Lanoux, mientras que las chicas eran Christine Dejoux y Agnès Soral. La acción no transcurría en Córcega sino en las playas de Saint-Tropez.

El éxito del filme motivó que en 1984 se llevara a cabo una versión made in Hollywood, bajo el título de Lío en Río y dirigida nada más y nada menos que por el mismísimo Stanley Donen, en la que supuso su última producción para la gran pantalla. Los protagonistas, en esta ocasión, fueron Michael Caine, Joseph Bologna, Michelle Johnson y Demi Moore.

Como se verá, la historia viene de largo. ¿Y qué aporta hoy esta nueva variante de osadas lolitas y maduritos en horas bajas? Pues se trata sencillamente de una puesta al día: las adolescentes (Alice Isaaz y la debutante Lola Le Lann) son  ahora asiduas de las redes sociales y sus respectivos papás (el omnipresente François Cluzet y Vincent Cassel) van de enrollados por la vida, acompañándolas a la discoteca si hace falta. Claro que, para no faltar a la tradición, uno de los dos es más guay que el otro, con las consecuencias que ello comporta...

Aunque para directora guay y enrollada quién mejor que la cineasta francesa Lisa Azuelos: no sólo es la autora de los diálogos de Una semana en Córcega sino que tiene también en su haber un puñado de películas especialmente dirigidas al público adolescente (y a sus padres, por supuesto). De entre las más exitosas, cabe destacar LOL (Laughing Out Loud) ® (2008), LOL (2012) y Reencontrar el amor (2014), la primera y la tercera de las cuales protagonizadas por Sophie Marceau, acompañada en el caso de la última, por, una vez más, François Cluzet.

Es este un tipo de cine mucho más habitual en Francia que en España y que aquí, curiosamente, empieza a dar frutos en Catalunya. Buenos ejemplos serían de ello Barcelona, nit d'estiu (Dani de la Orden, 2013) o Els nens salvatges (Patricia Ferreira, 2012). Dirigidas como van al público juvenil, en ellas la imagen se valora por encima del contenido, siendo más que evidente la influencia del lenguaje publicitario en su manera de explicar unas historias que proyectan una falsa imagen de rebeldía y "conflicto" generacional.

La clave de esto último la proporciona Vincent Cassel en unas declaraciones a tenor del estreno de Una semana en Córcega: "Antes era algo que no se aceptaba. Pensábamos que, como patriarcas, teníamos derecho a opinar sobre todo. Y hoy eso  se ha perdido. Los hijos se desvinculan de los padres. Cada vez más. Así que, espero que esta película refleje bien nuestra época. Que sea un retrato de nuestros días. Para empezar, ya hablamos de Twitter, de móviles, de crías que se evaden con sus cascos. Eso no existía antes." Lo dicho: pura rebeldía de catálogo.