La Odisea (2026)

Título original: The Odyssey

Director: Christopher Nolan

Reino Unido/EE.UU., 2026, 173 minutos

La Odisea (2026) de Christopher Nolan

Pocas veces una película levanta la expectación que ha precedido el estreno de La Odisea (2026) de Christopher Nolan. Sobre todo tratándose de una superproducción de casi tres horas que lo que hace básicamente es pervertir la esencia misma de los textos homéricos. Efectivamente, ni en el plano visual ni tampoco en el fondo de la historia se manejan referentes mediterráneos, por más que algunos exteriores se hayan rodado en localizaciones de Grecia, Italia o Marruecos. Muy al contrario, lo que destila la propuesta de Nolan, fría y oscura durante la mayor parte del metraje, parece que bebe de una cierta tradición shakespeariana pasada por el tamiz de lo que hoy demanda la industria hollywoodense con tal de satisfacer al gran público.

Al mismo tiempo, el guion del propio Nolan aparece trufado de reflexiones a propósito del destino de la humanidad que entroncan de pleno con el estado actual del mundo. En ese aspecto, el cineasta británico también se lo hace venir bien para, utilizando como pretexto un clásico de la literatura universal, colocar sus propias ideas a propósito de hacia dónde se dirige nuestra civilización. Destino que, huelga decirlo, no parece excesivamente halagüeño.

No obstante, hay momentos de la puesta en escena en los que se opta por soluciones bastante ingeniosas y hasta meritorias como, por ejemplo, el hecho de que Circe (Samantha Morton) no transforme a los hombres de Odiseo en cerdos por arte de magia, sino que moldea trabajosamente sus rostros hasta lograr que éstos adopten dicha apariencia. Y es que, de hecho, es ahí precisamente donde radica el verdadero interés de una película para cuyo rodaje se ha prescindido de efectos especiales de última generación, optando por métodos analógicos, como las tan pregonadas cámaras IMAX de setenta milímetros, frente a los hoy más comunes formatos digitales. Nada, por cierto, que no hubiese logrado antes Mario Camerini en su magistral Ulises (1954) protagonizado por Kirk Douglas...

En suma, y a la luz de lo hasta aquí expuesto, conviene dejar claro que el reparto estelar de esta Odisea, encabezado por Matt Damon, unido a la intensidad de un ritmo narrativo trepidante, hará las delicias de cualquiera que se acerque a disfrutar del espectáculo en pantalla grande (a pesar de que, en otro alarde más de puro marketing, se haya repetido hasta la saciedad que apenas un puñado de salas en todo el planeta están debidamente equipadas para proyectarla tal y como la ha concebido su director). Ahora, eso sí: que nadie se espere una adaptación fidedigna porque ya queda dicho que esto es otra cosa, apenas un tráiler alargado que picotea de aquí y de allá a su conveniencia y antojo con tal de asegurar la mayor espectacularidad y (of course) rentabilidad económica del producto.

La vida privada de Fulano de Tal (1960)

Director: Josep Maria Forn

España, 1960, 90 minutos

La vida privada de Fulano de Tal (1960)

El propio título de la cinta que nos ocupa, cuarto largometraje que dirigía el barcelonés Josep Maria Forn (1928-2021), aporta ya bastantes pistas sobre el contenido de una historia que gira en torno a uno de tantos individuos de aquella España gris de letras impagadas y compras a plazos que, en plena vorágine desarrollista, luchaban por dejar atrás las antiguas estrecheces de la posguerra. Porque ese Fulano de Tal no es otro sino Miguel (Fernando Fernán-Gómez), fundador y director de la revista para amas de casa Eva y el hogar y ahogado en un mar de deudas que amenaza con condenarlo irremisiblemente a la bancarrota e incluso al fracaso de su matrimonio con la bella y un tanto caprichosa Eva (Susana Campos).

Aunque, para darle más comicidad al asunto, la suegra y la cuñada soltera del susodicho se plantan en el domicilio conyugal con el objetivo de pasar allí unos días, circunstancia que dará pie a no pocos equívocos y situaciones hilarantes a lo largo de una película repleta de momentos tan divertidos como la escena en la que la señora de marras (interpretada por la mítica Matilde Muñoz Sampedro) no para de parlotear mientras Miguel y sus invitados intentan en vano escuchar la emisión radiofónica con los consejos del consultorio sentimental de Violette Florelle.

También esto último se traduce en otro malentendido, toda vez que el personaje (una pura invención de Miguel que, sin embargo, posee enorme predicamento entre el público femenino, ajeno a la farsa) se llama igual que una sensual actriz francesa, la cual, como no podía ser de otra manera, se presentará en las oficinas de la revista para pedir explicaciones (y daños y perjuicios) por lo que ella considera una suplantación de identidad...

Por otra parte, la estructura del relato, basado en un guion en el que, entre otros, intervinieron el propio Forn y Francisco Rovira Beleta, arranca con el nacimiento del protagonista para, acto seguido, resumir brevemente los pormenores de su infancia y juventud, siempre mediante la voz en off de Fernán-Gómez, quien detalla en primera persona el poco o nulo éxito de su personaje con las mujeres, a las que describe como interesadas y superficiales. Trasfondo misógino, en resumidas cuentas, muy propio de aquellos tiempos, sobre el que se construyen la mayoría de situaciones satíricas de una cinta que no deja de ser el fiel reflejo de una época.

Rebeldía (1954)

Director: José Antonio Nieves Conde

España/Alemania, 1954, 89 minutos

Rebeldía (1954) de José Antonio Nieves Conde

A primera vista, pudiera decirse de Rebeldía (1954) que es otro de esos dramas melifluos, tan habituales, por otra parte, en la cinematografía española de mediados de los cincuenta, esta vez con guion, nada más y nada menos, de Gonzalo Torrente Ballester a partir de una pieza teatral del no menos inefable José María Pemán (1897-1981). Dándose la circunstancia, además, de que la película, rodada en distintas localizaciones costeras de Altea y Benidorm, fue fruto de una coproducción entre España y Alemania. De ahí que el reparto de la misma lo integrasen intérpretes de ambas nacionalidades.

Precisamente, el carácter "indómito" de su protagonista femenina da título a una trama en la que al escritor de éxito Carlos Moragues (Volker von Collande) le prohíbe la Santa Sede sus obras. Lo cual da pistas de la voluntad redentora de Margarita (Delia Garcés), siempre atenta a socorrer al prójimo con la solicitud de quien terminará haciéndose monja después de dispararle a Moragues una bala que se le queda alojada en el interior del cráneo.

No obstante, lo más interesante de la película radica en el papel de Federico Lanuza, a quien da vida, con la solvencia habitual en él, Fernando Fernán-Gómez. Se trata de un personaje de temperamento eminentemente cínico, especie de secretario a perpetuidad del novelista, capaz de responder "¡No, [yo soy] el perro!" cuando uno de los tres reporteros que se acercan a casa de Moragues con intención de entrevistar a este último le pregunta: "¿Es usted el jardinero?".

En definitiva, Rebeldía constituye una obra tan aleccionadora como singular dentro de la filmografía de José Antonio Nieves Conde, si bien alejándose del vigor realista y un tanto crítico de Surcos (1951). A este respecto, el director demuestra su indudable destreza técnica, ayudado por la fotografía en blanco y negro de Francisco Sempere, para plasmar un dilema moral y religioso de profundas tensiones éticas, por lo que la cinta trasciende su contexto de producción hispano-alemana para ofrecer un interesante melodrama sobre los límites de la fe y la culpa en la España nacionalcatólica.

El mensaje (1953)

Director: Fernando Fernán-Gómez

España, 1953, 82 minutos

El mensaje (1953) de Fernán-Gómez

La segunda película que dirigía Fernando Fernán-Gómez, tras haber debutado con Manicomio (1953), transcurre durante la Guerra de Independencia. Son sus protagonistas una cuadrilla de intrépidos guerrilleros dispuestos a sacrificar su vida, si hiciera falta, con tal de expulsar a las tropas napoleónicas de territorio español. Como se ve, el argumento se enmarca en un patrioterismo muy en boga en el cine autóctono producido durante aquellos años, si bien el guion de Manuel Suárez Caso y el propio Fernán-Gómez, con canciones escritas por José García Nieto, se desmarca un tanto de dichas coordenadas mediante el recurso de incluir a un traidor en el grupo.

Efectivamente, buena parte de la trama consiste en dirimir quién podría ser el infiltrado, sobre todo a partir del momento en el que el mudo (Manuel Alexandre) aparece muerto con un puñal clavado en el pecho. Misterio que, sin embargo, se acaba desvelando cuando José (José María Lado) mata de un tiro por la espalda al mayoral (Antonio Prieto). Aunque, finalmente, los remordimientos de conciencia podrán más que los intereses materialistas del delator, quien, pesaroso tras las súplicas del doliente Antonio (Fernán-Gómez), opta por entregarle al Cabrero la preciada misiva firmada por Wellington en lugar de dársela a los franceses.

A diferencia de otros títulos pertenecientes a este mismo subgénero, que podríamos calificar de épica nacionalista y resistencia popular, El mensaje (1953) destaca por pequeños detalles como el hecho de subtitular los diálogos en francés de los soldados invasores, rasgo ligeramente realista que aporta un cierto verismo a la puesta en escena. Asimismo, la apariencia masculina de María (interpretada por la debutante Elisa Montés) tiene algo de provocativo, en especial cuando el supuesto "muchacho", ataviado con ropajes de hombre para eludir la lascivia de los insurrectos, protagoniza diversos momentos de flirteo con el atolondrado Antonio.

Por lo demás, la cinta que nos ocupa, con banda sonora de Rafael de Andrés y excelente fotografía en blanco y negro de Aguayo, contiene también las inevitables soflamas militaristas que al franquismo le venían como anillo al dedo para reforzar su discurso oficial de enaltecimiento patriota. Sirva de ejemplo la arenga que el mayoral dirige a sus hombres: "Estoy convencido de que resistiréis hasta más allá de la muerte, porque los guerrilleros sois el último refugio de la lealtad, la mejor reserva del espíritu de vuestra patria y, por lo tanto, de la libertad del mundo entero". Palabras altisonantes que van en consonancia con el plano final, de indudable apoteosis católica, en el que Antonio y María, ya vestida de mujer, rezan de rodillas un padrenuestro ante la cruz de piedra de su aldea.

Hoy no pasamos lista (1948)

Director: Raúl Alfonso

España, 1948, 82 minutos

Hoy no pasamos lista (1948) de Raúl Alfonso

Mucho antes de protagonizar La lengua de las mariposas (1999), Fernando Fernán-Gómez ya había interpretado a un maestro rural en la prácticamente olvidada Hoy no pasamos lista (1948), amable recreación de la vida cotidiana en una remota aldea de montaña que, en su tramo final, deriva hacia tintes más dramáticos. La acción, situada en 1910, arranca con un texto sobreimpreso en pantalla que aclara lo siguiente: "A todos los maestros rurales que, devotos de su profesión y sin regatear sacrificios, llevan la luz de la cultura hasta los pueblos más apartados de España".

Sorprende que en un país cuya población estaba padeciendo los rigores de la posguerra se abordase semejante argumento, entre otras cosas porque los métodos empleados en las escuelas franquistas distaban enormemente de las innovaciones pedagógicas del afable don Manuel. En ese sentido, la figura del adusto alcalde de Peñascales, don Rafael (Fernando Fernández de Córdoba), representa la intransigencia caciquil de quien no ve con buenos ojos la llegada al pueblo de un joven profesor que viene cargado de ideas renovadoras. De ahí que lo reciba de malas maneras y haciendo todo lo posible por impedir la construcción de un nuevo centro educativo en el lugar.

En todo caso, y a pesar de las dificultades, don Manuel conecta enseguida con los chicos gracias a su particular forma de entender la enseñanza, a base de incentivos (premiando con unos céntimos a quienes se aprenden el temario) y, sobre todo, dándole un enfoque vivencial. Así pues, una salida al campo a cazar lagartos puede ser la ocasión idónea para impartir sobre el terreno una lección de biología. O la previa de un partido de fútbol, dibujando en la pizarra las rectas que conforman el terreno de juego, el mejor momento para hablarles de geometría. Hasta el esférico se presta para improvisar con él nociones básicas de geografía.

Circunstancias que discurren en paralelo con el gradual enamoramiento entre el maestro y la pastora María (Nani Fernández), criatura agreste en un principio, pero que irá paulatinamente puliéndose gracias al contacto con el recién llegado. Ella y su hermano Panchón el de la cantera (José María Lado) serán sus aliados en la tarea de sacar adelante la nueva escuela pese a las reticencias de unas fuerzas vivas que ven en ello una amenaza que pudiera poner fin a sus privilegios de clase. Sin embargo, el supuesto mensaje subversivo de la trama se ve atenuado por detalles como el ascendente positivo que el cura del pueblo (Rafael Calvo) ejerce sobre los protagonistas. Los mismos que, llegados al desenlace, a punto están de pagar un alto precio por haberse mantenido firmes en la defensa de sus ideales.

Magallanes (2025)

Título original: Magalhães

Director: Lav Diaz

España/Francia/Portugal/Filipinas/Taiwán, 2025, 160 minutos

Magallanes (2025) de Lav Diaz

De la mano del también cineasta Albert Serra, esta vez ejerciendo de productor, el filipino Lav Diaz dedica su más reciente filme a una figura histórica tan relevante como controvertida. Efectivamente, Magallanes (2025) recrea diversos episodios biográficos en los que el navegante portugués (en cuya piel se mete Gael García Bernal) aparece retratado como una especie de genocida de principios del siglo XVI que siembra a su paso ríos de sangre en nombre de la Corona Castellana y de la religión católica. Y no sólo acribillando a los aborígenes de las Molucas cuando éstos reniegan del bautismo, sino incluso entre los miembros de su propia tripulación. En ese sentido, resulta especialmente violenta la escena en la que se sentencia y ejecuta a dos acusados de sodomía tras haber sido sorprendidos en pleno acto contra natura.

Sin embargo, ese mismo personaje, cruel e inflexible con quienes se le oponen, demuestra que tiene también sentimientos cuando lo vemos consolar a su amada (Ângela Azevedo Ramos) o a la madre de un niño indígena enfermo. Múltiples facetas, por tanto, de un hombre que lo mismo se sienta a la mesa con un obispo en Sevilla que firma un pacto de sangre con el líder local de una de las islas, todo ello en el contexto de una cruzada mesiánica dominada por la codicia y la imposición dogmática. 

Por lo demás, tanto la puesta en escena como la cuidada fotografía de Artur Tort beben de innegables fuentes pictóricas que hacen que cada plano se convierta prácticamente en un tableau vivant. Así pues, la flamante Espiga de Oro en el último Festival de Valladolid aborda el día a día de una tripulacion exhausta con la intención explícita de deconstruir el mito eurocéntrico de aquella supuesta gesta imperial. Para ello, Diaz se apoya en un lenguaje visual de filiación bressoniana, repleto de nativos implorando a sus dioses y arrogantes colonizadores que queman sus ídolos para imponerles la cruz cristiana, donde priman el silencio, la luz natural y los encuadres fijos.

Lejos de retratar al explorador como un héroe visionario, la narración expone la brecha irreconciliable entre la rigidez doctrinal del conquistador y la compleja realidad política y humana del sudeste asiático, evocando, en la línea de, por ejemplo, Aguirre, la cólera de Dios (1972), la locura autodestructiva de los grandes títulos del cine de conquista. En consecuencia, la cinta recrea una atmósfera contemplativa, dominada por el sonido orgánico de la naturaleza, que no sólo subvierte los relatos oficiales de la expansión europea, sino que consolida a su director como uno de los cronistas fundamentales a la hora de abordar las heridas de la memoria histórica a través del cine contemporáneo.

Letras robadas (2026)

Título original: Power Ballad

Director: John Carney

Irlanda/EE.UU., 2026, 98 minutos

Letras robadas (2026) de John Carney

La premisa de la cual parte Power Ballad (2026), un caso de apropiación intelectual, nos recuerda que los litigios en el mundo de la música son un fenómeno bastante más frecuente de lo que a veces pensamos. Y es que de figurar o no como compositor de un éxito de ventas (o de descargas, escuchas, visualizaciones...) depende el hecho de vivir de rentas el resto de tus días o simplemente permanecer en el anonimato sin mayor pena ni gloria.

En ese orden de cosas, Rick (Paul Rudd) es el vocalista de un modesto conjunto que ameniza banquetes de boda con el habitual repertorio de hits ochenteros llenapistas. Aunque una noche, después de una actuación, el azar propicia el encuentro del cantante con el ídolo de masas Danny Wilson (interpretado por Nick Jonas, ex miembro de los célebres Jonas Brothers en la vida real) y, entre cerveza y cerveza, ambos terminan compartiendo canciones y confesiones. El problema vendrá cuando, meses más tarde, Rick descubre que el otro ha hecho suya una composición que, para colmo, termina convirtiéndose en un fenómeno viral...

Como ya sucediera en Once (2006) o la posterior Sing Street (2016), la música vuelve a jugar un papel determinante en la última película del irlandés John Carney (Dublín, 1972). Y no sólo porque sus personajes se dediquen de pleno a dicha actividad, sino sobre todo por el carácter eminentemente liberador que sobre ellos ejerce en tanto que verdadero motor de curación emocional y conexión humana. Aun así, lo que eleva a Power Ballad sobre otras comedias por el estilo es cómo aborda el binomio éxito-fracaso, ya que Carney profundiza en el dolor silencioso de quienes se quedan a las puertas de la gloria, conviviendo con la sombra de lo que pudo haber sido.

De modo que el director de la cinta nos ofrece aquí una entrega más de la fórmula que lleva años perfeccionando. Una propuesta honesta, divertida y a ratos agridulce, en la que entran también en juego temas como la amistad (tremendo Peter McDonald en su papel de colega entrañablemente torpe del protagonista) y la familia (con la mujer y la hija de Rick apoyándole y a veces burlándose de él), que funciona como bálsamo para el público en general, recordándonos que el valor real de crear algo hermoso reside muchas veces en el acto mismo de hacerlo, y no tanto en los focos que lo iluminan.

Un talento único (2025)

Título original: Tuner

Director: Daniel Roher

Canadá/EE.UU., 2025, 107 minutos

Un talento único (2025) de Daniel Roher

Tras alzarse con el Óscar por el aclamado documental Navalny (2022), el cineasta canadiense Daniel Roher realiza un audaz viraje hacia la ficción con Tuner (2025), elegante thriller de tintes neo-noir. La trama se articula en torno a Niki White (interpretado con brillante contención por Leo Woodall), joven prodigio de la música cuya carrera se vio truncada por culpa de su hipersensibilidad auditiva y su oído absoluto. Trabajando como aprendiz de Harry Horowitz (Dustin Hoffman), un veterano reparador de pianos, Niki se verá forzado a buscar ingresos rápidos. Esta desesperada encrucijada lo lleva a descubrir que su finísimo oído no sólo sirve para afinar los Steinway, sino también para descifrar las combinaciones de las cajas fuertes, arrastrándolo de pleno a una turbia organización criminal liderada por un tal Uri (Lior Raz).

​El gran acierto de la propuesta radica en un diseño de sonido extraordinario y envolvente, concebido como elemento clave dentro de la narrativa. De este modo, la producción sumerge al espectador en la psique del protagonista, amplificando desde la vibración metálica de una cuerda de piano hasta la tensión milimétrica de un engranaje de seguridad, logrando que los contrastes entre el silencio absoluto de los robos y el caos urbano resulten asfixiantes. Este portentoso despliegue sensorial se complementa con la magnética química intergeneracional entre los personajes de Woodall y Hoffman, cuya relación aporta una calidez melancólica en torno a la musica jazz (de la que Harry es un fanático) y una interesante reflexión sobre el apego por los oficios manuales en un contexto hoy ya bastante deshumanizado.

No obstante, este minucioso equilibrio formal flaquea levemente al adentrarse en devaneos que aceleran el ritmo de manera abrupta en favor de una mayor espectacularidad comercial. Así pues, la introducción de subtramas algo forzadas, como la que involucra al célebre compositor encarnado por Jean Reno, genera un contraste innecesario con el tono sobrio, elegante y realista que impera en la mayor parte del metraje. Afortunadamente, Roher esquiva los clichés más manidos de Hollywood al reconducir la historia hacia una conclusión narrativamente coherente en la que Niki hará lo imposible por apartarse del crimen organizado y retomar su relación con Ruthie (Havana Rose Liu).

​En definitiva, Tuner constituye una soberbia ópera prima ficcional que demuestra la versatilidad de su director para transitar con éxito más allá de otros géneros cinematográficos. Aun así, pese a que la estructura del cine de atracos se intuye vagamente, la frescura de su premisa acústica y una impecable ejecución técnica salvan al filme de cualquier atisbo de monotonía. Lo cual da pie, en última instancia, a una obra estilizada y rítmica que no sólo se ve, sino que se escucha y se sigue con el alma en vilo gracias a su reflexión implícita sobre cómo el talento puede corromperse en un mundo donde la supervivencia difumina demasiado a menudo la línea entre la honestidad y la criminalidad.

Dreams (2025)

Título en español: Sueños

Director: Michel Franco

Méjico/EE.UU., 2025, 98 minutos

Dreams (2025) de Michel Franco

El director mejicano Michel Franco (Ciudad de México, 1979) apuesta en Dreams (2025) por incomodar al espectador ahondando en una de las heridas más complejas de la geopolítica contemporánea: la siempre controvertida relación entre su país y los Estados Unidos. Y lo hace a través del romance de alto voltaje que mantiene la pareja protagonista y mediante el cual se teje una parábola implacable sobre el poder, el racismo estructural y el verdadero precio del sueño americano.

Jennifer (interpretada por Jessica Chastain) es una adinerada filántropa estadounidense que vive en San Francisco, mientras que Fernando (Isaac Hernández) es un brillante bailarín mejicano que cruza la frontera en condiciones deplorables con la esperanza de un futuro mejor. Pero cuando Jennifer decide patrocinar su carrera, lo que se inicia como una fascinación mutua pronto se transforma en un torbellino de deseo carnal desenfrenado. Sin embargo, detrás de las finas sábanas y los restaurantes caros, la brecha social y económica empieza pronto a pasarles factura. En ese choque de realidades, el amor puro se transforma inevitablemente en una tensa dinámica de control y dependencia donde el dinero impone las reglas del juego.

Fiel a su estilo, Michel Franco opta por una pulcra puesta en escena que contrasta con el frenesí de los encuentros íntimos de la pareja. Aunque lo verdaderamente perturbador reside en cómo plantea que el amor no siempre es un terreno neutral cuando una de las partes tiene garantizado todo lo que la otra intenta desesperadamente conseguir. De esa manera, a medida que avanza el metraje se destapa el supremacismo colonial latente en la sociedad estadounidense, demostrando que incluso el mecenazgo puede llegar a ser una herramienta de humillación y control. A este respecto, el guion peca en ocasiones de falta de sutileza al subrayar determinados prejuicios de clase, pero lo compensa con giros argumentales que nos descolocan por completo.

Así pues, lo que a priori pudiera parecer una idílica cinta romántica termina siendo, en realidad, un incómodo thriller psicológico (e incluso político) que nos recuerda cómo, en el statu quo impuesto por el trumpismo, hasta los sueños conllevan a veces un coste emocional devastador.

La muerte de Robin Hood (2026)

Título original:  The Death of Robin Hood

Director: Michael Sarnoski

EE.UU., 2026, 122 minutos

La muerte de Robin Hood (2026) de Michael Sarnoski

Enésima recreación cinematográfica de un personaje cuya presencia fílmica, lejos de agotarse, se ha mantenido presente a lo largo del tiempo, abarcando todas las épocas de la historia del cine. Sin embargo, The Death of Robin Hood (2026) ofrece una nueva dimensión del arquero de Sherwood, presentándolo como un villano moribundo que tal vez se benefició del éxito de una leyenda esencialmente falsa. En ese sentido, la película de Michael Sarnoski nos habla de la muerte de los ideales en un momento histórico en el que, faltos de héroes en quienes confiar, parece que lo que cunde es el desánimo.

En ese mismo orden de cosas, Hugh Jackman se mete en la piel de un individuo hosco, ya entrado en años, tan oscuro como la fotografía tenebrosa de Pat Scola, con el objetivo de desmitificar la figura de quien realmente no fue sino un hombre controvertido, con no pocos crímenes a sus espaldas. A tal efecto, el guion del propio Sarnoski toma como punto de partida una balada original del siglo XVII para llevar a cabo una de las visiones más ásperas y poéticas jamás filmadas sobre Robin Hood. El resultado es un drama existencial que constituye, al mismo tiempo, la deconstrucción descarnada sobre cómo la historia deforma la verdad para crear leyendas con las que podamos sobrevivir.

La acción se sitúa en la Inglaterra de 1247, cuando el protagonista ya no es un joven ágil, sino un anciano demacrado, con barba y melena gris descuidada, que vive en un exilio autoimpuesto en las montañas, carcomido por el remordimiento. Asimismo, la violencia de las reyertas en que se ve involucrado resulta rápida, visceral, y está desprovista de cualquier tipo de romanticismo. El caso es que, tras ser gravemente herido y reencontrarse brevemente con un Little John (Bill Skarsgård) cansado y transformado por los años, Robin busca refugio en un convento. Y allí es donde entra en escena la hermana Brigid (Jodie Comer), en una dinámica interpretativa que se acaba convirtiendo en el auténtico corazón de la historia.

Visualmente, la película destaca por su ya mencionada apariencia sombría. Fotografiada en gloriosos 35mm, la cinta renuncia a los habituales focos de los blockbusters y abraza la luz natural. Así el espectador se siente transportado a una Cumbria medieval, filmada en los impresionantes parajes de Irlanda del Norte, donde el barro, la nieve y la penumbra dominan la pantalla. No se trata, pues, de una cinta de aventuras veraniega, sino más bien de un drama psicológico otoñal de la factoría A24. De ahí que Sarnoski prefiera el vacío existencial a un espectáculo de flechas y capas verdes que hoy se vería ya por completo desfasado.

Incontrolable (2025)

Título original: I Swear

Director: Kirk Jones

Reino Unido, 2025, 120 minutos

Incontrolable (2025) de Kirk Jones 

La vida de John Davidson, adolescente británico de clase obrera, da un giro inesperado cuando, en plena adolescencia, comienza a manifestar los primeros síntomas de lo que años más tarde sabrá que se llama Síndrome de Tourette. Espasmos, tics y exabruptos involuntarios que provocan de inmediato el rechazo frontal de un entorno que confunde con mala conducta lo que en realidad es un trastorno neurológico hereditario.

I Swear (2025), drama bienintencionado y hasta cierto punto tendencioso, peca de excesivamente pedagógico en su afán por concienciar al espectador a propósito de la necesidad de ser comprensivos (e inclusivos) con aquellos que se encuentran en la misma situación que el protagonista. Aun así, no cabe la menor duda de que la actuación de Robert Aramayo, el actor que interpreta al personaje en su edad adulta, se encuentra entre lo más destacable de una película que, pese a la dureza de su temática, logra arrancar las carcajadas del público (y alguna que otra lágrima).

Luego está la cuestión social, el desolador panorama (estamos en la Inglaterra de los noventa) que apenas se apunta y que sirve de telón de fondo de una historia repleta de momentos dramáticamente intensos. Entre otras cosas porque, aparte de cómo reaccionan unos y otros ante las salidas de tono de John (o precisamente a causa de ello), la cinta dirigida por Kirk Jones aborda también el ámbito doméstico y hasta qué punto la familia de adopción llega a cumplir un rol más decisivo que el de la biológica.

En última instancia, I Swear explora la complejidad de las relaciones humanas con una mezcla perfecta de sensibilidad, humor y honestidad emocional. Le sobra, quizá, toda esa moralina que se desprende hacia el final, con las charlas de la policía y los talleres motivacionales de John, si bien la película conecta de manera íntima con el espectador al ofrecerle un poderoso comentario sobre la importancia de la empatía en una época de constante ruido y desconexión. Y es que la relevancia de esta producción radica precisamente en su facultad para recordarnos que, más allá de nuestros errores, la vulnerabilidad compartida sigue siendo el puente más sólido hacia la auténtica comprensión mutua.

Lady Nazca (2025)

Director: Damien Dorsaz

Alemania/Francia, 2025, 99 minutos

Lady Nazca (2025) de Damien Dorsaz 

Maria Reiche (1903-1998) fue una investigadora alemana que dedicó toda su vida al estudio de las hoy ya célebres líneas de Nazca. Sin embargo, cuando Reiche llegó al Perú, a principios de los años treinta, apenas si existía conciencia de la trascendencia y significación de dichos geoglifos, declarados Patrimonio de la Humanidad por la Unesco desde 1994. De todo ello y mucho más trata Lady Nazca (2025), biopic dirigido por el suizo Damien Dorsaz e interesantísima aproximación a la figura de una mujer a la que los lugareños llamaban irónicamente la "loca del desierto".

Ya desde la secuencia inicial, en la que vemos a la protagonista barriendo minuciosamente, bajo un sol de justicia, los misteriosos renglones trazados por una civilización preincaica, queda clara la perseverancia y el rigor que caracterizan al personaje, interpretado por la actriz Devrim Lingnau. Una determinación que no conoce límites y que la llevará primero a enfrentarse con el cacique local, empeñado en convertir aquellos mismos terrenos en zona de regadío, para después elevar sus protestas incluso ante el Congreso de la nación.

Ni que decir tiene que Reiche, matemática de formación y arqueóloga por devoción, debe pagar un altísimo precio personal a cambio de mantenerse firme en sus convicciones. Así pues, a la incomprensión de quienes la rodean hay que sumar la de su pareja sentimental, la inglesa Amy Meredith (Olivia Ross), y hasta la de algunos colegas, hombres, que la tratan con cierta condescendencia. A este respecto, resulta sintomático el caso de Paul d'Harcourt (Guillaume Gallienne), más interesado en espoliar yacimientos para vender alguna que otra momia a cualquier museo estadounidense que no en recuperar el legado milenario de la cultura local.

En conclusión, Lady Nazca destaca esencialmente como un emotivo y poético retrato de emancipación femenina y obsesión apasionada. A través de una puesta en escena que captura la inmensidad mística del desierto peruano, la película trasciende el mero biopic histórico para convertirse en homenaje a la tenacidad inquebrantable de una mujer, adelantada a su tiempo, que rompió con las convenciones sociales de la época para hallar su verdadera libertad y propósito protegiendo y descifrando los enigmáticos dibujos de Nazca.

La copia perfecta (2025)

Título original: L'affaire Bojarski

Director: Jean-Paul Salomé

Francia, 2025, 128 minutos

La copia perfecta (2025) de Jean-Paul Salomé 

Orson Welles ya dejó claro, en su magistral F for Fake (1973), que los falsificadores pueden alcanzar también el rango de genio superando en mérito las obras que copian. Pues algo remotamente parecido constituye el tema central de la cinta francesa L'affaire Bojarski (2025), biopic dirigido con solvencia por Jean-Paul Salomé y dedicado a ensalzar la figura del denominado "Cézanne" de la materia, un tipo capaz de fabricar en su taller clandestino billetes de mil francos que resultaban incluso más perfectos que los originales.

Ni que decir tiene que el tal Bojarski (al que da vida Reda Kateb) lleva de cabeza durante años a unas autoridades policiales, encabezadas por el obstinado inspector Mattei (Bastien Bouillon), incapaces de detenerlo pese al ingente despliegue de medios que tejen a su alrededor. Sin embargo, la doble vida a la que se ve expuesto el protagonista terminará pasándole factura debido a la incomprensión de su familia, extrañados de que un simple inventor, sin empleo ni ingresos conocidos, pueda mantenerlos holgadamente a todos.

El gran acierto de la puesta en escena ideada por Salomé radica en desmarcar a Bojarski del tópico del criminal codicioso. En ese aspecto, Reda Kateb se mete en el papel con notable contención. De hecho, su personaje no quiere lujos extravagantes, sino estabilidad y, sobre todo, el reconocimiento de su maestría. Así pues, la película lo retrata como un gran artista mediante secuencias que muestran, con admiración casi reverencial, el proceso de fabricación de los billetes. De esta manera, se nos hace partícipes del placer de la creación perfecta, permitiendo que el espectador empatice profundamente con un hombre cuya máxima satisfacción consiste en desafiar al Estado.

Asimismo, la dinámica entre Bojarski y el comisario Mattei se convierte en el motor dramático de la cinta. Bouillon da vida a un investigador frío, analítico y tan obsesivo como su presa. Aunque a diferencia de otros thrillers, donde la policía representa un mero obstáculo, aquí Mattei descifra las intenciones de Bojarski precisamente porque comparte su misma estructura mental. Por eso la tensión de la película no radica únicamente en persecuciones o tiroteos (de hecho, la violencia se dosifica al mínimo tras un potente arranque), sino en la inevitable colisión de estas dos mentes brillantes, ya que la mutua admiración que se profesan provoca que nos importe tanto el destino de ese falsificador solitario como la resolución del caso policial.

Marielle lo sabe todo (2025)

Título original: Was Marielle weiß

Director: Frédéric Hambalek

Alemania, 2025, 86 minutos

Marielle lo sabe todo (2025) de Frédéric Hambalek

La apacible existencia de un matrimonio alemán de clase media se ve súbitamente alterada cuando la hija adolescente de ambos comienza a dar muestras de unas insólitas dotes telepáticas. Hasta el extremo de que la joven Marielle (interpretada por Laeni Geiseler) conoce palabra por palabra las conversaciones privadas de sus padres. En un principio, Julia (Julia Jentsch) y Tobias (Felix Kramer) barajan la posibilidad de que la cría les haya hackeado sus respectivos teléfonos móviles, aunque llega un punto en el que no les queda más remedio que rendirse a la evidencia, como reza el título de la película, de que "Marielle lo sabe todo".

Un cierto aire a lo Michael Haneke flota en el ambiente de principio a fin de un relato que, lejos de enmarcarse en el género fantástico, no nos habla de fenómenos paranormales, sino más bien de la incomunicación galopante que afecta a tantísimas familias en la sociedad del bienestar. A este respecto, resultan muy significativos esos planos en los que el cineasta Frédéric Hambalek filma espacios vacíos y silenciosos de la comfortable casa de los protagonistas, una típica mansión ultramoderna en la que abunda el mobiliario de diseño, pero falta, tal vez, un poco más de sinceridad entre quienes la habitan.

Evidentemente, dicho planteamiento tiene algo de parábola a propósito del mundo contemporáneo, materialista y deshumanizado, y no son pocos los momentos en los que al espectador se le escapa la risa ante situaciones que rozan el surrealismo. Así, por ejemplo, Julia y Tobias optan por hablar en francés entre ellos en la intimidad para de este modo evitar que la niña los entienda. Por no mencionar la secuencia de sobremesa en la que detallan, con pelos y señales, determinadas prácticas sexuales...

Y es que estamos, en efecto, ante un alegato en toda regla contra la hipocresía. De ahí que Julia y su compañero de oficina resulten tan ridículos cuando utilizan el eufemismo "fumar" para referirse a las fantasías amatorias que comparten cada vez que se encierran en una sala de juntas. De ahí que la última escena se cierre con un "te quiero" que probablemente sea la primera vez que sale de la boca de la madre... En todo caso, si alguna moraleja se desprende de Was Marielle weiß (2025) es que la transparencia absoluta destruye las relaciones; que la armonía familiar y de pareja no se sostiene con una verdad total e invasiva, sino que ésta depende de la privacidad, de los límites individuales y de esas convenciones cotidianas tan necesarias para protegernos y convivir en paz.

A 500 millas de casa (2026)

Título original: 500 Miles

Director: Morgan Matthews

Reino Unido/Irlanda, 2026, 102 minutos

A 500 millas de casa (2026) de Morgan Matthews

La más reciente producción del cineasta británico Morgan Matthews se presenta inicialmente como una tierna road movie costera para terminar convirtiéndose en un desgarrador estudio sobre el duelo infantil y la culpa. Basada en la novela de Mark Lowery, la trama sigue la huida de Finn (Roman Griffin Davis) y su dicharachero hermano pequeño Charlie (Dexter Sol Ansell), quienes emprenden una travesía de más de ochocientos kilómetros (de ahí el título) desde Inglaterra hasta la salvaje península de Dingle, en Irlanda, impulsados por el inminente divorcio de sus padres y el anhelo de reencontrarse con su huraño abuelo, encarnado por el veterano Bill Nighy.

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El andamiaje técnico de la cinta brilla gracias a una sutil puesta en escena que intensifica la carga dramática del periplo emprendido por los dos hermanos. Así pues, la fotografía saca un partido soberbio a los abruptos acantilados y páramos irlandeses, transmutando el paisaje en una metáfora del aislamiento y la libertad que los menores experimentan, mientras que la melancólica partitura a piano de Jamie Duffy acentúa la pesadumbre del viaje. Asimismo, el montaje alterna con gran destreza la precaria travesía del presente con continuos flashbacks de pasadas vacaciones familiares, edificando un inteligente contraste entre la calidez de los recuerdos y la gélida realidad de su fuga.

​Aunque el alma incontestable de la cinta reside en la arrolladora química de su pareja protagonista. Griffin Davis despunta con una interpretación magistral, cargando sobre sus hombros una madurez impostada, resquebrajada por sutiles destellos de vulnerabilidad, mientras que el pequeño Sol Ansell aporta el contrapunto cómico e inocente idóneo para dar respiro a la historia; ambos son secundados eficazmente por una enérgica Maisie Williams en el papel de joven nómada y ocasional intérprete callejera de ukelele. De modo que, si bien el ritmo durante los dos primeros tercios flirtea en exceso con ciertos clichés predecibles del género y una cadencia parsimoniosa, las actuaciones sostienen el interés con firmeza.

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No obstante, el verdadero acierto de Matthews tiene lugar en un demoledor tercer acto que redefine por completo la narrativa mediante un devastador giro de guion. Y es que, al desvelarse la cruda raíz del trauma que fracturó el hogar, la aparente ñoñería sentimental se transforma en un bofetón de cruda realidad que resignifica cada plano anterior. De esta manera, y pese a sus titubeos iniciales, la película triunfa como propuesta cinematográfica "tramposa" (en el mejor de los sentidos) gracias a un relato doloroso, pero de una honestidad sobrecogedora, que desarma al espectador y dignifica todo el proceso del perdón familiar.

Winnipeg, el barco de la esperanza (2026)

Directores: Beñat Beitia y Elio Quiroga

España/Argentina/Chile, 2026, 78 minutos

Winnipeg, el barco de la esperanza (2026)

¿Te acuerdas, Rafael?

                               ¿Federico, te acuerdas

debajo de la tierra,

te acuerdas de mi casa con balcones en donde

la luz de junio ahogaba flores en tu boca?

La heroica iniciativa auspiciada por el poeta Pablo Neruda, a la sazón cónsul especial de Chile en Francia en tiempos de la Guerra Civil (y, como tal, máximo impulsor de fletar un buque que evacuase, rumbo a América, a miles de exiliados republicanos), sirve de trasfondo histórico en la cinta de animación Winnipeg, el barco de la esperanza (2026). Un proyecto, coproducción entre España, Chile y Argentina, que adapta la novela gráfica de Laura Martel.

Codirigida por Beñat Beitia y Elio Quiroga, la trama se centra básicamente en dos personajes: Víctor, un sindicalista viudo, y su pequeña hija Julia. Ambos, tras la caída de Barcelona en enero del 39, seguirán un accidentado periplo hasta cruzar la frontera francesa. De hecho, es a través de la mirada inocente de Julia que se reconstruyen los terribles acontecimientos que posteriormente, cuando esa niña sea ya una anciana, le contará ella misma a su nieto en forma de flashback.

A nivel formal, nos hallamos ante una propuesta estética que combina la animación tradicional con paletas cromáticas muy bien diferenciadas. En ese sentido, los tonos plomizos, grises y ocres predominan en el tramo español, así como en los campos de internamiento en Francia, transmitiendo una evidente opresión física y emocional, mientras que algunos estallidos de luz y de color aparecen a medida que el carguero avanza por el océano, con destino a Valparaíso, simbolizando el renacimiento de la esperanza.

Sin embargo, no se puede describir el verdadero impacto de esta obra sin hacer referencia a la épica banda sonora compuesta por Diego Navarro. Y es que su música funciona como auténtico hilo conductor de las imágenes. Es por eso que, en los momentos de mayor amargura, la melancolía de las cuerdas subraya el dolor del exilio, mientras que, ya hacia el final, las notas se vuelven luminosas, evocando la cálida acogida que esperaba, al otro lado del mundo, a aquellos más de dos mil expatriados.

La pasión de Martin (1991)

Título original: The Passion of Martin

Director: Alexander Payne

EE.UU., 1991, 49 minutos

La pasión de Martin (1991) de Alexander Payne 

Curioso mediometraje, en clave de comedia negra, primerísimo trabajo de un Alexander Payne que por aquel entonces estudiaba en la UCLA y que con The Passion of Martin (1991) llevaba a cabo su tesis de licenciatura. Libremente inspirada, por cierto, en El túnel, la novela de tintes más o menos existencialistas que el escritor argentino Ernesto Sábato había publicado en 1948.

Su protagonista, fotógrafo con ínfulas artísticas y aquejado de una obsesiva atracción hacia la bella Rebecca (Lisa Zane), a la que conoce durante la inauguración de su propia exposición de retratos, no dudará en poner en práctica todas las argucias habidas y por haber con tal de seducir a la joven. Pero, más que un Romeo a la antigua usanza, Martin (Charley Hayward) se comporta con la premeditación y alevosía propias de un psicópata. Probablemente porque lo es...

Caricatura andante de la toxicidad y la inseguridad masculinas llevadas a sus peores extremos, Martin no es precisamente un romántico incomprendido. Para caracterizarlo, Payne recurre a una técnica que perfeccionaría años después en Election (1999): la voz en off omnipresente y, por supuesto, poco o nada fiable. A través del monólogo interno de Martin, el espectador se ve atrapado dentro de una mente acribillada a todas horas por su propio eco, escuchando sus justificaciones intelectualoides para actos que resultan puramente ridículos, cuando no aterradores. Se trata, pues, de un retrato tan específico y descarnado que uno no puede evitar preguntarse si el director no estaría usando el filme como experimento autocrítico para exorcizar sus propias neurosis de juventud.

En cualquier caso, antes de consolidarse como el cronista definitivo de la crisis de la mediana edad y la patética idiosincrasia norteamericana con obras como Citizen Ruth (1997) o Sideways (2004), Payne realiza aquí un ejercicio cinematográfico crudo, incómodo y brillantemente cínico que permite intuir, además, cuáles iban a ser las constantes de toda su filmografía posterior.