La tragedia de la Bounty (1935)

Título original: Mutiny on the Bounty

Director: Frank Lloyd

EE.UU., 1935, 132 minutos

La tragedia de la Bounty (1935) de Frank Lloyd

Cinta de aventuras marítimas por excelencia, Mutiny on the Bounty (1935) ha terminado convirtiéndose además en un clásico inmortal que, con sus dos millones de dólares de presupuesto (todo un récord por aquel entonces), elevó el estándar del cine épico de Hollywood de la época. Ganadora del Óscar a la Mejor Película, esta superproducción de la Metro-Goldwyn-Mayer, con el sello inconfundible del productor Irving Thalberg, logró un impacto dramático que perdura hasta hoy sin haber perdido ni un ápice de su encanto.

La fuerza central de la película reside en el memorable enfrentamiento entre sus dos protagonistas: Charles Laughton, como el Capitán William Bligh (un tiránico, cruel e inflexible individuo cuya maldad fría y calculada sobre sus hombres genera repulsión en el espectador) y Clark Gable como Fletcher Christian, primer oficial de la nave que, movido por la defensa de la tripulación, se erige como el héroe. De hecho, el conflicto moral que aqueja a este último es, en realidad, el catalizador de la rebelión. A ellos se une Franchot Tone como Roger Byam, guardiamarina encargado de confeccionar un diccionario de tahitiano y que representa el dilema entre la lealtad y la justicia.

La película relata la travesía del HMS Bounty hacia Tahití a finales del siglo XVIII en busca del árbol del pan (con el que se pretendía alimentar a los esclavos) y el posterior y famoso motín a bordo. El director Frank Lloyd logra imprimir a la narración un ritmo ágil aprovechando localizaciones naturales de las islas del Pacífico que aportan un realismo documental impresionante para la época. Asimismo, la tensión dramática se construye magistralmente a través de las constantes humillaciones y castigos que Bligh inflige a sus subordinados, lo que hace que el inevitable clímax del motín constituya una liberación esperada.

Si bien el guion se toma algunas licencias históricas en favor del drama (especialmente en lo que concierne a la figura de Fletcher Christian como defensor de los derechos de la tripulación), su mensaje contra el abuso de poder mantiene plena vigencia. Lo cual, unido al mito del buen salvaje y a la idealización de un mundo paradisíaco habitado por bellísimas mujeres, hace de la cinta un hito ineludible del cine de aventuras y del cine clásico en general. Hasta el extremo de que su solidez narrativa, la calidad de su producción y el ya mencionado duelo interpretativo la convierten en la versión de referencia de esta conocida historia, incluso por encima de posteriores remakes.

The Emperor Jones (1933)

Título en español: El emperador Jones

Directores: Dudley Murphy y William C. de Mille

EE.UU., 1933, 73 minutos

The Emperor Jones (1933)

Miguel de Buría fue un esclavo africano de la antigua Provincia de Venezuela que, en 1552, encabezó la primera insurrección de siervos contra las autoridades españolas. La primera... pero no la última. Porque la historia de la América latina aparece repleta por doquier de casos similares.

Dicen que el Negro Miguel, retirado en las montañas, llegó incluso a autoproclamarse rey de un pequeño feudo, del que hizo reina consorte a su compañera Guiomar y príncipe "a un su hijo", eligiendo como obispo de una iglesia disidente a uno de sus mejores amigos.​ A dicha rebelión se incorporarían indígenas y otros negros cimarrones.

Dos siglos más tarde, en Haití, ocurrió algo parecido con Henri Christophe, quien, tras obtener la libertad, ascendió a general para, en 1811, convertir el Estado haitiano en reino y coronarse a sí mismo monarca con el nombre de Enrique I. Los muchos castillos que se mandó construir o la estrambótica nobleza de la que se rodeó nos hablan de un personaje que, al llegar al poder, repite e incluso supera los mismos patrones de conducta de quienes, previamente, lo habían explotado.

Inspirándose en casos como los anteriores, el dramaturgo Eugene O'Neill estrenó en 1920 una pieza teatral titulada Emperor Jones que, años después, sería llevada al cine por la United Artists. La protagonizó el polifacético Paul Robeson (1898–1976): actor, cantante, jugador profesional de fútbol americano y activista político.

Restaurada por la Biblioteca del Congreso de los EE.UU., la cinta evidencia no pocos clichés respecto a la forma de retratar a los afroamericanos, motivo por el que se la llegó a tildar de racista. La primera media hora, marcada por un ritmo aceleradamente ágil, cumple las funciones de introducción para presentar al personaje protagonista: su meteórico ascenso y la posterior caída en desgracia que le obligará a refugiarse en una isla del Caribe. Destaca, por la creciente intensidad del compás marcado por un tambor que irá in crescendo, la delirante parte final, en la que Brutus sucumbirá acuciado por sus propios fantasmas.